THE PLEASURE OF BEING ROBBED / JOSH SAFDIE / USA / 2008 / 71MIN / 16MM ARRIFLEX

J’AI TOUJOURS RÊVÉ D’ÊTRE UN GANGSTER / SAMUEL BENCHETRIT / FRANCE / 2007 / 113MIN / 35MM / 1.37:1

Alice nelle città racconta la storia di un giornalista tedesco, Philip Winter in viaggio per gli Stati Uniti. Finito il suo giro americano sta per tornare in Germania quando all’aeroporto incontra Alice una bambina tedesca abbandonata dalla madre. Così i due si metteranno in viaggio per tutta la Germania alla ricerca della nonna della bambina. Wim Wenders dopo il suo esordio con Estate in città (1970), il suo primo adattamento, La paura del portiere prima del calcio di rigore (1972) tratto da un racconto di Peter Handke, e l’anno successivo La lettera scarlatta.

Nel 1974 realizza il suo quarto film con il quale inizia una vera e propria ”Road Movie Trilogy” che sarà composta inoltre da Falso movimento (1975) e Nel corso del tempo (1976). Wim Wenders gira il film in bianco e nero grazie alla fotografia di Robby Müller con diverse scene senza stacchi e prive di dialoghi.

Tan de repente è una coproduzione Argentina e Olandese del 2002 diretta da Diego Lerman e basata sul romanzo La prueba di César Aira. Racconta la storia di Marcia (Tatiana Saphir) una giovane commessa di un negozio di lingerie, sola e in sovrappeso che un giorno viene fermata da due giovani lesbiche di strada, Mao (Carla Crespo) e Lenin (Veronica Hassan) che le fanno delle avances piuttosto esplicite.

Le ragazze la costringono a seguirla e tutte e tre intraprenderanno un viaggio che tra furti di macchine ed autostop, la porterà prima al mare, dove non è mai stata, per poi trovare rifugio da Blanca, una zia di Lenin, che la ragazza non vede ormai da molto tanto tempo. Marcia dopo le insistenti avances di Mao scoprirà l’amore, la sua identità sessuale.

Withnail and I è il film che segna il debutto alla regia di Bruce Robinson (Benvolio nel Romeo e Giulietta di Zeffirelli) con una commedia in parte autobiografica in cui Robinson ha inserito i suoi inizi come attore nella Londra degli anni Sessanta. Ed è nella Londra del ’69 in un appartamento di Camden Town in cui i protagonisti del film, Withnail e Marwood, due attori squattrinati, cercano di sopravvivere alla precarietà delle loro rispettive carriere e a loro stessi.  Passano il loro tempo bevendo alcolici e facendosi di qualche droga finché un giorno decidono di andare a trovare lo zio di Withnail che ha una casa in campagna in cui potrebbero godersi una piccola vacanza nella campagna inglese.

Arrivati alla casa dello Zio, Marwood scopre di essere al centro delle attenzioni dell’uomo. Secondo quanto raccontato da Robinson, la figura dello zio Monty sarebbe stata creata sulla base dell’esperienza di Bruce Robinson dopo aver ottenuto la parte in romeo e Giulietta, da parte di Franco Zeffirelli che gli fece proposte sessuali. Nel 1989 Robinson dirigerà How to Get Ahead in Advertising, una farsa sul mondo della pubblicità con protagonista Richard E. Grant.

Paranormal Activity è un film horror indipendente girato con un budget bassissimo, 15,000$, prodotto e diretto da Oren Peli. Il film girato come un mockumentary è diventato un fenomeno che ricorda il successo di The Blair Witch Project. Il film girato in una sola settimana vede per protagonisti una coppia, Katy e Micah, che vive in una casa infestata da presenze. Deciso a registrare ogni minimo dettaglio dei fenomeni, il protagonista compra una telecamera attraverso la quale assisteremo alla crescente tensione.

Paranormal Activity è davvero impressionante proprio perché terrorizza lo spettatore senza mostrare, con l’uso dei rumori e della reale partecipazione dei protagonisti sempre più coinvolti da ciò che gli sta accadendo intorno. Oren Peli al suo esordio come regista è riuscito a sfruttare al massimo e con grande intelligenza una idea semplice creando una grande tensione cinematografica che ha costretto persino alcuni spettatori ad uscire dalle sale cinematografiche. Un grande risultato riconosciuto da Spielberg che ha deciso di non realizzarne il solito Remake ma di distribuire direttamente il film.

NOTE DI REGIA
Go Grave, young man.

La storia di Calamari Union è totalmente logica e ha persino senso.
L’unico problema è che la logica non è di questo mondo.
In ogni caso questi diciassette coraggiosi provano a fare qualcosa che nessuno ha mai fatto prima: muoversi in una città selvaggia e ostile, piena di vecchie con gomiti contundenti, dotate di martelli, cucchiai, macchine da scrivere e cani della stazza di mucche.
Ma più delle barriere tra questi uomini e la spiaggia che tanto agognano, è la ragione che desiderano trovare, quel cervello danneggiato quando ancora erano giovani e si arrampicavano sul tetto dell’asilo.
La loro mente (ma perché usare il plurale?) è risultata compromessa perché dovevano correre così tanto da non avere il tempo di respirare, di pensare. E, questo è importante, perché non pensavano, non sapevano che è meglio stare in casa a mangiare il proprio porridge, come un bravo Frank dovrebbe fare.
La tragedia inizia qui, perché una passeggiata notturna in una città enorme come Helsinki non è una gita di Boy Scout in Alabama.
Parlando di Alabama…
E chi si occupa della cosa? Questo è il punto del film. Non sto parlando del lavaggio della macchina.
Qualcuno potrebbe avere la sensazione che in Calamari esistono dei significati nascosti. Ma questa è una sporca bugia. Tutto rimane in superficie.
Ma.
Tornando alla storia: solo i più forti possono sopravvivere. Non abbiamo alcuna ragione per essere gelosi di uno solo di loro, perché morire è sempre più facile che vivere.
La situazione si sta facendo patetica… è tempo di andare.
Calamari Union è una commedia divertente e il peggior film che io abbia mai visto se non consideriamo i film che ho fatto prima.

Cordialmente
Aki Kaurismäki

Scritto dal crittografo Mark Lewis e diretto da Michael Powell, Peeping Tom è un thriller psicologico e metacinematografico che si focalizza sull’ossessione del guardare (il termine Peeping Tom, si usa per definire un guardone e deriva dal personaggio che secondo la tradizione anglosassone spiava Lady Godiva mentre cavalcava nuda). Altro argomento del film è la violenza sui minori, violenze subite dal protagonista e perpetrate da suo padre. Mark Lewis (Carl Boehm) è un operatore cinematografico, molto schivo ed intoverso, con il sogno di diventare regista. Per arrotondare lo stipendio scatta foto erotiche per conto di un edicolante. Il padre di Mark era un noto scienziato che si era dedicato allo studio del sistema nervoso e in particolare era interessato alle reazioni alla paura nell’infanzia.

Per i suoi studi utilizzò proprio Mark, suo figlio stimolandolo ad avere reazioni di paura per poi riprenderlo giorno e notte con una cinepresa. Così Mark sviluppa un’autentica ossessione per lo spiare gli altri riprendendoli con la sua cinepresa da cui non si separa mai. Mark diventa un serial killer e uccide giovani ragazze con un particolare marchigneno assemblato alla sua macchina da presa, per spaventarle costringendo le vittime a vedere in faccia la propria paura ed essendo contemporaneamente filmate.

Le riprese degli omicidi gli serviranno a completare il suo folle film. Il film, considerato un cult movie da molti tra cui anche Martin Scorsese. Il concept del film è stato ripreso da James Cameron e Kathryn Bigelow per Strange Days, film nel quale grazie ad una speciale teconologia, lo squid, si è in grado di registrare lo sguardo e le emozioni. Così nella finale, l’assassino, fa provare alla propria vittima le proprie emozioni prima di ucciderla.

In cerca del bacio della mezzanotte, è questo lo scopo dei protagonisti di questa commedia romantica scritta e diretta da Alex Holdrige. Il film racconta la vita di Wilson (Scott McNairy), 29 anni e reduce da un anno disastroso. Lavora in una videoteca e si sente solo. Inoltre un nuovo anno è alle porte e con lui anche la frustrazione di non sapere con chi passarlo. Il suo coinquilino Jacob (Brian McGuire) gli consiglia di rimediare mettendo un annuncio su internet.

Wilson si lascia convincere e inserisce l’annuncio personale finché una ragazza gli risponde, Vivian (Sara Simmonds), una giovane e bella ragazza desiderosa di stare con l’uomo giusto allo scoccare della mezzanotte.

Nel 2007 Joe Swanberg gira il suo nuovo film che vede protagonista Hannah (Greta Gerwig), una giovane laureata che vive a Chicago e il suo lavoro come stagista in un ufficio di produzione. Ha una relazione che la delude e inizia ad interessarsi ai due suoi colleghi, Matt e Paul, i due sceneggiatori con cui collabora. Passando da una relazione all’altra Hannah cerca di trovare una sua direzione nella sua vita sentimentale.

Joe Swanberg tornerà come protagonista insieme a Greta Gerwig nel film successivo, Night and Weekends.

Terzo lungometraggio di Harmony Korine, Mister Lonely, scritto con il fratello Avi, è qualcosa di diverso dai precedenti Gummo e Julien Donkey-Boy, considerati estremi per i loro contenuti e per lo stile non narrativo. Mister Lonely racconta di un sosia di Michael Jackson (Diego Luna) e del suo incontro con la sosia di Marilyn Monroe (Samantha Morton). Marilyn gli parla di un mondo meraviglioso per spiriti come loro, così da Parigi Michael parte con Marilyn e si ritrovano in una comune nelle Highlands. Nel castello a fargli compagnia incontrerà i sosia di James Dean, Madonna, la Regina Elisabetta, Il Papa, Sammy Davis Jr. Shirley Temle, Abramo Lincoln e Charlie Chaplin. Chaplin e Marilyn hanno una relazione da cui è nata la piccola Shirley Temple. I sosia decidono di mettere in scena uno spettacolo per gli abitanti del paese vicino.

La storia di Michael e dei sosia e completata da un gruppo di suore volanti, coordinate da padre Umbrillo (Werner Herzog, già padre di famiglia in Julien Donkey-Boy), che le guida nei cieli a bordo di un piccolo bimotore, perché lascino cadere nella giungla aiuti umanitari. Le suore voleranno davvero grazie alla preghiera, questo finché la favola dovrà scontrarsi con la realtà. Il titolo rimanda non solo al protagonista ma ovviamente anche alla famosa canzone Mr. Lonely di Bobby Vinton che risuona nei titoli di testa del film.

Secondo film di Harmony Korine dopo il debutto con Gummo, Julien Donkey-Boy  racconta la storia di Julien, un ragazzo schizofrenico, interpretato da Ewen Bremner, e della sua particolare famiglia composta da un padre autoritario (Werner Herzog), un fratello (Evan Neuman) costretto alle angherie sportive del padre, e Pearl, il personaggio più candido del film interpretata da Chloë Sevigny che debuttò proprio in Kids, primo film scritto da Harmony Korine.

Girato secondo le regole, seppur infrangendone alcune, del Dogme 95 è il sesto film realizzato secondo il “voto di castità” di Lars von Trier e Thomas Vinterberg, e il primo non Europeo. Korine ha girato il film con camera a mano e in digitale e lo ha poi trasferito in 16mm e successivamente in 35mm per dare alle immagini lo stile Lo-Fi. Dopo Julien Donkey-Boy, Korine girerà il suo primo film con il budget più alto, Mister Lonely.

Nel 1984 Jim Jarmusch gira il suo secondo film, dopo Permanent Vacation, che nasce da un cortometraggio di 30 minuti intitolato “The new World” che verrà inseguito integrato da altre due parti, “One Year Later” e “Paradise”. Nella prima parte ambientata a New York, Willie (John Lurie) riceve la visita inaspettata di Eva (Eszter Balint), una sua cugina appena arrivata dall’Ungheria. Dopo qualche giorno la ragazza parte per Cleveland. Nel secondo atto Willie e il suo amico Eddie (Richard Edson, primo batterista dei Sonic Youth) partono per Cleveland per visitare la cugina e la nonna. Mentre nella terza parte Wille, Eddie e Eva decidono di partire per la Florida.

Jarmusch ha girato il suo film, o meglio la prima parte, grazie alla pellicola avanzata del film “Lo stato delle cose” di Wim Wenders. Stranger Than Paradise è stato definito un film bianco, in contrapposizione al film nero, Noir, per la sua tra e i personaggi all’opposto del genere Noir oltre a come questa sensibilità emerga dalla fotografia di Tom Di Cillo, dove il bianco la fa da padrone.

Funny Ha Ha, è il primo lungometraggio di Andrew Bujalski considerato il padrino del genere mumblecore. Il film racconta con grande realismo la giovane laureata Marnie nei suoi tentativi di trovarsi un lavoro temporaneo e farsi notate da Alex, suo amico del College che però ha già una relazione, e cercare di smettere con la birra. Funny Ha Ha è un film low budget girato in 16mm. Altro tema nel film è la maturità, il passaggio all’età adulta alla quale tutti i personaggi sembrano volerne sfuggire. Il film è stato girato a Allston, un quartiere di Boston nel Massachusetts.

Lo stile di Bujalski è stato paragonato al cinema di John Cassavetes per l’attenzione e la focalizzazione sugli attori, più che per la tecnica orgogliosamente Lo-Fi e DIY.

Lo straordinario debutto alla regia di Harmony Korine dopo la precedente collaborazione con Kids di Larry Clark, di cui aveva firmato la sceneggiatura. Un film divenuto cult del cinema indipendente. il film racconta per frammenti, usando una struttura antinarrativa e non lineare la vita di un gruppo di cittadini di Xenia, Ohio, città colpita da un tornado lasciandosi dietro orfani e degrado sociale. Tra i vari personaggi si ricordano i due ragazzini Tummler e Solomon che vagano per il quartiere con le loro bici andando a caccia di gatti randagi che poi rivendono al macellaio del quartiere e con i soldi guadagnati pagano per fare sesso con una giovane ritardata.

Nel cast Chloë Sevigny nel ruolo Dot che si attacca del nastro adesivo ai capezzoli per renderli più turgidi e lo stesso Harmony Korine nel ruolo di un ubriaco che molesta un nano gay afroamericano. Dopo Gummo Harmony Korine, realizza Julien Donkey-Boy seguendo, in parte, le regole del “voto di castità”, Dogme 95.

13 Tzameti scritto e diretto dal filmmaker Georgiano Géla Babluani. Tzameti significa 13 in Georgiano ed è il suo primo lungometraggio. Il film racconta l’odissea di un giovane immigrato georgiano che vive in Francia, Sébastien interpretato dal fratello minore del regista, Georges Babluani. Il ragazzo ruba una busta che contiene le istruzioni per un misterioso lavoro che dovrebbe fruttare parecchi soldi. Seguendo le istruzioni il protagonista si ritrova in una situazione molto pericolosa, un gioco Kafkiano e sadico in cui i 13 del titolo, sono concorrenti di una roulette russa ad eliminazioni a cui ruota attorno un giro di scommesse ovviamente clandestine.

Uno dei film più neri e interessanti prodotti negli ultimi anni che tiene incollati alla poltrona come pochi altri film, tensione costruita anche grazie all’ottima fotografia in bianco e nero che rende il tutto ancora più agghiacciante. Lo stesso regista sta lavorando ad un remake a colori del suo film, che dovrebbe vedere come protagonisti, Mickey Rourke, Ray Winstone, Jason Staham, Sam Riley, 50 Cent e Ray Liotta.

Nel 1980 Jim Jarmusch realizza il suo primo lungometraggio in 16 mm come tesi di laurea e con alcuni fondi e attrezzature universitarie. Jarmusch ci mostra in una New York semideserta, il lento vagabondare del giovane Aloysius (Chris Parker), un tormentato perdigiorno. Nel suo girovagare incontra un ladro d’automobili, un sassofonista (John Lurie) e un reduce di guerra. In ogni incontro si riconferma il suo isolamento rispetto alla società.

Con questo suo primo film Jarmusch diviene manifesto di una nuova generazione di Filmmaker della New Wave di New York e segna il primo passo verso tematiche e ricerca stilistica che ritroveremo nelle altre sue opere.

Lodge Kerrigan scrive e dirige il suo primo film, Clean, Shaven con l’intento di portare lo spettatore nella mente di una persona schizofrenica, alla ricerca disperata di potersi riappropriare della figlia affidata ad una madre adottiva. Peter Green (che ricordiamo anche per il personaggio di Zed in Pulp Fiction) interpreta con grande intensità e bravura Peter Winter che appena uscito dall’istituto di sanità mentale intraprende questa sua disperata ricerca. La follia di Peter e mostrata con maestria da Kerrigan, grazie ad un uso sapiente del sonoro. Peter durante la sua ricerca della figlia Nicole, torna a casa da sua madre. Le allucinazioni uditive si fanno sempre più pesanti e tali da fargli credere di avere una ricetrasmittente sotto la pelle che prova a rimuovere. Inoltre Peter non sopporta gli specchi che prontamente copre per non vedersi riflesso. La madre ancora scossa dalla malattia del figlio, lo tratta come un bambino e non vuole che lui ritrovi sua figlia.

Clean, Shaven sarà seguito da Claire Dolan e Keane. Tra i due film Kerrigan ha girato un’altro film intitolato In God’s Hands, con Peter Sarsgaard e Maggie Gyllenhall e prodotto da Steven Soderbergh. Una volta terminato non è stato possibile distribuirlo a causa di diversi danni al negativo originale.

Killer of sheep è un film indipendente, scritto, diretto, prodotto e girato da Charles Burnett e racconta la vita di un ghetto Afroamericano nel quartiere di Watts, Los Angeles. Con uno stile anti narrativo il film raccoglie momenti di vita di quartiere senza una trama o uno sviluppo dei personaggi. Stan lavora alla macelleria di Watts, un lavoro monotono che finisce per influenzare la sua relazione con sua moglie e i suoi due figli Jr. e Angela.

Il film è stato girato con un budget di 10,000 dollari durante i weekend tra il ’72 e il 73 e con alcune riprese effettuate nel ’75. Una volta terminato non poterono distribuire il film perché i diritti per le musiche non erano stati acquisiti. Solo nel 2007 i diritti furono acquistati e il film fu restaurato e trasferito da pellicola 16mm a 35mm. Il film è così disponibile dopo 30 anni dalla sua realizzazione in dvd.

It’s Impossible to Learn to Plow by Reading Books è il primo lungometraggio di Richard Linklater, girato in Super8 e montato presso la stazione tv locale. Il film ha per protagonista lo stesso Linklater che si occupa di tutta la produzione e racconta con uno stile minimale e una trama non tradizionale, un viaggio fatto di incontri. Non c’è un climax o un cambio sostanziale per i personaggi presenti nel film.  Il film non è mai stato distribuito ed è disponibile come bonus feature nel dvd di Slacker, suo secondo lungometraggio edito da The Criterion Collection.

Primo film della trilogia di Paul Morrissey prodotta da Andy Warhol che comprende Trash e Heat, Flesh racconta una giornata nella vita di un Joe (Joe Dalessandro) un marchettaro sbattuto giù dal letto da sua moglie Geraldine, con il compito di recuperare 200 dollari che serviranno ad una sua amica per abortire. Così Joe attraversa le strade di NYC cercando qualche cliente che non tarda ad arrivare. Da qui un susseguirsi di incontri con diversi personaggi nuovi o già conosciuti con cui Joe fa sesso o semplicemente si lascia ammirare. Tornando a casa Joe trova sua moglie con la sua amica. Le due iniziano ad amoreggiare e Joe si addormenta. Morrisey illustra con un tono da documentario la storia di Joe, e tutte le relazioni interpersonali appaiono guidate dai soldi, la carne del titolo che permette a Joe di guadagnarsi da vivere ed è tutto ciò che sembri interessare alla moglie quando discute sola con la sua amica.

Un tema, quello della merce, caro a Warhol, ben più dell’omossessualità che traspare dal film, Joe Dalessandro è l’icona pop dei personaggi del film, tutti lo desiderano ma lui si vende per soldi, per mantenere la sua famiglia seppur particolare. Flesh è un film e perdonate il gioco di parole, piacevolmente “Scarno” nel suo stile asciutto e semplice, con diversi piani di lettura e che ancora ispira i filmmaker delle nuove generazioni.

In the company of Men è una commedia nera, e anche film d’esordio del regista e drammaturgo Neil LaBute. Tratto dall’omonima piéce teatrale di LaBute stesso, il film è una cruda analisi di machismo e misoginia di due colleghi yuppie, Chad (interpretato da Aaron Heckart) e Howard, due uomini in carriera, trentenni, arrivisti e frustrati. A causa della loro frustrazione sentimentale e lavorativa decidono di vendicarsi con un piano atroce ed alquanto cinico, nei confronti di una ragazza sorda: Christine, dattilografa che lavora presso il loro ufficio.

I due uomini la corteggiano in momenti diversi, illudendola ed abbandonandola in seguito, per ridere di lei. Nella società degli uomini non è facile vivere, ed è quello che imparerà la ragazza sordomuta nel film, perché l’uomo spesso si comporta come un bambino egoista, egocentrico e cinico. Il film è stato girato in sole due settimane con un budget di 25.00 dollari.

Elephant è il cortometraggio di Alan Clarke commissionato dalla BBC dell’Irlanda del Nord e prodotto da Danny Boyle che successivamente ha ispirato Gus Van Sant per il suo Elephant, omaggio nel titolo e nello stile al film del regista Inglese. Il film mette in scena atti di violenza, omicidi a mano armata giocando con la macchina da presa, l’occhio dello spettatore, che grazie alla Steadycam segue l’intercedere dei personaggi e contemporaneamente con la repulsione per gli atti compiuti.

Girato in un 16mm sgranato, una quasi totale mancanza di dialoghi, musica e narrazione oltre a nessuna informazione su assassini e vittime, rendono il film prossimo a quello che oggi chiameremo un mockumentary, un finto documentario, questo per rendere più sconvolgente la messa in scena. Il film è girato durante il conflitto nordirlandese conosciuto in inglese come The Troubles, una vera e propria guerra che ha lasciato sul campo più di 3000 vittime.

“Io giuro di sottostare al seguente elenco di regole elaborate e confermate dal DOGMA 95″:

1. Le riprese vanno girate sulle location. Non devono essere portate scenografie ed oggetti di scena (Se esistono delle necessità specifiche per la storia, va scelta una location adeguata alle esigenze).
2. Il suono non deve mai essere prodotto a parte dalle immagini e viceversa. (La musica non deve essere usata a meno che non sia presente quando il film venga girato).
3. La macchina da presa deve essere portata a mano. Ogni movimento o immobilità ottenibile con le riprese a mano è permesso. (Il film non deve svolgersi davanti alla macchina da presa; le riprese devono essere girate dove il film si svolge).
4. Il film deve essere a colori. Luci speciali non sono permesse. (Se c’è troppa poca luce per l’esposizione della scena, la scena va tagliata o si può fissare una sola luce alla macchina da presa stessa).
5. Lavori ottici e filtri non sono permessi.
6. Il film non deve contenere azione superficiale. (Omicidi, armi, etc. non devono accadere).
7. L’alienazione temporale e geografica non è permessa. (Questo per dire che il film ha luogo qui ed ora).
8. Non sono accettabili film di genere.
9. L’opera finale va trasferita su pellicola Academy 35mm, con il formato 4:3, non widescreen. (Originariamente si richiedeva di girare direttamente in Academy 35mm, ma la regola è stata cambiata per facilitare le produzioni a basso costo).
10. Il regista non deve essere accreditato.

Inoltre giuro come regista di astenermi dal gusto personale! Non sono più un artista. Giuro di astenermi dal creare un’”opera”, perché considero l’istante più importante del complesso. Il mio obiettivo supremo è di trarre fuori la verità dai miei personaggi e dalle mie ambientazioni. Io giuro di far ciò con tutti i mezzi possibili ed al costo di ogni buon gusto ed ogni considerazione estetica. Così io esprimo il mio VOTO DI CASTITÀ.”Copenaghen, lunedì 13 marzo 1995

A nome del DOGMA 95

Lars von Trier, Thomas Vinterberg

Lars Von Trier e Thomas Vinterberg scrivono un manifesto, il Dogme 95 un vero e proprio voto di castità stilato e firmato ufficialmente lunedì 13 marzo del 1995 a Copenaghen. E con queste regole di contenuto e di forma, ha inizio un nuovo corso del cinema contemporaneo con un forte impatto e una chiamata alle armi, o meglio forse alle Arti, per tutti i cineasti bloccati dall’assenza di fondi. Grazie a questo spirito minimalista e alla tecnologia digitale nasce Festen, primo film Dogma che presto sarà seguito da Gli idioti di Lars Von Trier. Festen – Festa in famiglia vincitore del premio della giuria al 51° Festival di Cannes, racconta la riunione della famiglia Klingenfeldt in una grande villa per festeggiare il sessantesimo compleanno del capostipite. Durante la serata, Christian, il primogenito propone di brindare al padre, che per anni ha abusato di lui e della sorella Linda, morta l’anno prima.

Tutti i presenti gelano, ma presto ignorano la cosa finendo per prendere le parole di Christian come uno scherzo di pessimo gusto. Christian continua con le sue rivelazioni fino a scuotere finalmente gli invitati alla festa. Il film è stato girato in MiniDv, e poi trasferito su pellicola per la proiezione. È girato interamente con telecamera a spalla, senza uso di luci di scena, il che ha comportato la necessità di trovare soluzioni alternative e originali per adattarsi alle esigenze della trama.

Il protagonista del film Arthur Hamilton, interpretato da Rock Hudson, è un uomo di mezza età che conduce una vita che non lo soddisfa nonostante un buon impiego e un ottimo stato sociale. Un giorno riceve una chiamata da un vecchio amico che credeva morto e sepolto. L’amico gli indica un indirizzo al quale recarsi. Il luogo è la sede di un organizzazione segreta conosciuta come “The Company” che offre a persone benestanti la possibilità di una seconda vita inscenandone la morte e cambiandone l’aspetto con un’operazione di chirurgia plastica. Hamilton accetta e così diventa un “Secondo” Sé e viene ricollocato nel mondo, gli viene assegnata una nuova casa a Malibu e una nuova identità: Tony Wilson, pittore mentre Mentre Arthur verrà creduto morto a causa di un incendio in un Hotel. Inizialmente Wilson ha difficoltà con la sua seconda vita, ma l’incontro con la bella Nora Marcus gli ridà fiducia e serenità. Durante una festa però scopre che le cose non stanno proprio come crede e come in tutti i noir che si rispettino, il passato torna presto a tormentare Tony Wilson o meglio, Arthur Hamilton, che sente il bisogno di chiudere i conti con il suo passato come altro Sé. Così fa visita alla ex-moglie, con la quale ha un dialogo rivelatore,  e decide di rivolgersi alla Compagnia per poter ricominciare di nuovo con un secondo cambio d’identità. L’organizzazione gli chiede di convincere qualche suo conoscente a rivolgersi a loro, così come aveva fatto il suo vecchio amico con lui. La sua incapacità a soddisfare questa richiesta avrà terribili conseguenze.

Il mix di fantascienza, Horror e Noir rende questo film un cult, girato da  John Frankenheimer basato su un romanzo di David Ely, e va a concludere una “Trilogia della paranoia” iniziata con “Va’ e uccidi e proseguita con Sette giorni a maggio. Seconds è un piccolo gioiello di genere, per la sua trama e la tecnica che ha rivoluzionato e ispirato molti cineasti del cinema contemporaneo, tra cui citiamo π – Il teorema del delirio di Darren Aronofsky.